ART EN VITRINE

Ziel dieser Ausstellung ist es, die Sichtbarkeit aufstrebender Künstler:innen zu erhöhen, indem ihre Werke an 3 Orten gezeigt werden:

• im Haus Burgund (Große Bleiche 29)
• in den Ausstellungsflächen des Mainzer Kollektivs „Die Vitrine“ (Große Bleiche 60-62)
• in der Vitrine-Galerie (Klarastraße 5)

Die Ausstellung lädt dazu ein, die vielfältigen Ausdruckmöglichkeiten künstlerischen Schaffens zu entdecken: Fotografie, Malerei, Bildhauerei, Zeichnung oder auch Videoarbeiten.

Roxane Appert

Das Schaffen der bildenden Künstlerin Roxane Appert (*1996 in Dijon, Abschluss an der Kunsthochschule in Mulhausen) dreht sich um den Begriff der Fiktion in unserer Wahrnehmung der Zeit. Ihre Klangwerke basieren auf Aufnahmen aus unterschiedlichsten Umgebungen, die sie verändert und kombiniert. Diese neuen Klanglandschaften sind wie das akustische Gedächtnis eines Ortes mit Verzerrungen im Zeitablauf. Die Künstlerin untersucht weitere Medien in Verbindung mit digitalen Technologien, insbesondere bewegte Bilder, Mapping und Fotomontagen, und hinterfragt dabei die Auswirkungen dieser neuen Technologien auf unsere Gesellschaft.
@appert_roxane

Nicolas Cattin   

Nicolas Cattin aus Besançon verfügt über einen Bachelor in Bildender Kunst (2009, Kunsthochschule Rhein) und einen Master in Raum- und Stadtplanung (2014, Besançon). Nach einer Tätigkeit in diesem Bereich hat er sich nun für die Kunst entschieden. Er stellt die Stadt in Form von dystopischen Landschaften dar, die er sehr technisch, präzise und netzartig in ihrer ganzen Komplexität zeichnet. Architektur ist für ihn die Formsprache, mit der er über die Struktur seiner Gedanken spricht. Er benutzt Perspektiven wie eine introspektive Sonde, um sich zu hinterfragen. Der Strich wird zum Vektor, der Punkt zum Knoten und die Zeichnung entfaltet sich in Form eines komplexen Netzwerks.
@ligne_de_ciel

Chloé Ferrer             

Die Arbeit von Chloé Ferrer (Diplom mit Auszeichnung „Intense“ an der Kunsthochschule Dijon) dreht sich um Make-up für Spezialeffekte und Biochemie, um über das Lebendige und die Ernüchterung zu sprechen. Durch Skulpturen und Installationen schlägt sie neue Wahrnehmungsordnungen durch die Hybridisierung von Flüssigkeiten, Abfällen, Textilien und gesammelten Objekten vor. Seit 2023 beschäftigt sie sich mit Biokeramik, die aus dem Pulver von Eierschalen hergestellt wird. Sie arbeitet an derer Entwicklung als Material für Skulpturen und hat eine ganze Reihe kleiner Experimente mit Eierschalen und den darin enthaltenen mineralischen Eigenschaften durchgeführt.
@ferrerchloe_

Mélissa Franchini

Mélissa Franchini (*1994 in Nîmes) lebt und arbeitet in Besançon. Sie studiert zunächst visuelle Kommunikation in Metz, anschließend Bildende Kunst an der Ecole des Beaux-Arts in Besançon (Diplom DNSEP mit Auszeichnung). Hier entwickelt sie eine Vorliebe für Drucktechniken und durch die Anwendung verschiedener Kunstformen wie Installation, Skulptur und Reproduktionssysteme auch eine Ästhetik der Gleichgültigkeit. Ihr Forschungsprozess konzentriert sich auf das Alltägliche, auf Gesten, indem sie gewöhnliche Gegenstände verwendet oder Elemente hervorhebt, die ihr poetisch erscheinen, wie ein misslungener Druck, eine beschädigte Wand usw. Sie konfrontiert den Körper mit der Maschine, das Einmalige mit dem Vielfachen.
@m_franchini

Mériame Mezgueldi

Nach dem Doppelstudium Bildende Kunst und Kommunikationsdesign arbeitet Mériame Mezgueldi seit 15 Jahren als Kunstmalerin. Die Sichtbarkeit beider Bereiche in ihren Gemälden macht den Reichtum und die Originalität ihres Stils aus. Ihre künstlerischen Erfahrungen reichen von Ausstellungen in Galerien über Gestaltung von Gebäudefassaden bis hin zu Inneneinrichtung und Wandmalerei. Heute blickt Mériame auf die Kunst als Form eines symbolischen Konzepts. Mit ihrer Malerei zeigt sie die Realität neu interpretiert durch ihre Augen. Durch das Zusammenspiel von Transparenz und Formen versucht sie, ihre subjektive Wahrnehmung zu erfassen, indem sie etwas andeutet, ohne es beweisen zu wollen.
@meriame.mezgueldi

Erika Povilonytè

Die Künstlerin versucht durch ihr kreatives Schaffen die Schwellen zwischen der Einfachheit und der Magie der Dinge, zwischen dem Archaischen und dem Ewigen zu ertasten. In Anlehnung an die Archäologie denkt sie über die Formen nach, die durch Abwesenheit entstehen, und untersucht gleichzeitig die Prozesse von Entstehung und Verfall. Stets von der archäologischen Ordnung durchdrungen, bauen sich ihre Gemälde wie eine Anatomie der Tiefe auf. Die Massen und Linien spielen mit Territorien und Grenzen. Jedes ihrer Bilder ist wie eine Erdschicht, eine Entdeckung. Wie eine Spur von etwas Flüchtigem, das sie verewigen will.
@liutulis

Miriam Berges

Die Künstlerin (*1975 in Essen) arbeitete nach ihrem Studium der Bildenden Kunst & Klassischen Philologie (Latein) bis 2022 als Lehrerin. Seit einer Weiterbildung zur Kunsttherapeutin widmet sie sich heute vorrangig der Kunst sowie kunsttherapeutischen Workshops & Projekten.

Ausgangspunkt ihrer Arbeit sind fast immer Fragen nach Identität und existentieller Vergewisserung. Ein Bereich liegt dabei in der Auseinandersetzung mit häufig widersprüchlichen Narrativen der eigenen Familiengeschichte gegenüber dem gesellschaftlichen Kontext. Die Geschichte ihrer Familie ist – wie die vieler – stark geprägt vom Erleben zweier Weltkriege. Wie viele Personen der Kriegsenkel-Generation ist Miriam Berges in Tabuisierung und Schweigen aufgewachsen zum Erleben und Handeln ihrer Eltern und Großeltern. Gleichzeitig wuchs sie in einer Gesellschaft auf, die sich um die Aufarbeitung der jüngsten Geschichte bemühte. Eine Kluft lag zwischen der Auseinandersetzung in der Schule oder öffentlichen Medien und dem familiären Kontext. Als ‚Deutsche‘ fand für sie eine Auseinandersetzung statt, als Tochter und Enkelin nicht.
@miriamberges75

Michael Dörr

Der Künstler (*1967) entwickelte schon früh eine Leidenschaft für die Verbindung von Technik und Kunst. Nach seinem Studium der Informatik und Musikwissenschaften arbeitete er bis 2005 in der medizinischen Forschung. Seit 2007 unterrichtet er an einem Gymnasium.

Zwischen 1991 und 1997 komponierte er Werke klassischer Musik, die in einer Uraufführung in Dresden ihren Höhepunkt fanden. 2009 entdeckte er die Fotografie für sich, zunächst digital, später analog. Diese autodidaktische Reise eröffnete ihm eine neue Ausdrucksform. Seine Arbeiten zeichnen sich durch den Einsatz unterschiedlicher analoger Techniken aus, bei denen er mit neuen und abgelaufenen Filmen in Kleinbild-, Mittelformat- und Polaroid-Formaten experimentiert.

Die Inspiration für seine Fotografien findet er oft in der Musik, insbesondere in Chansons und klassischen Kompositionen, aber auch in der Poesie, wie aktuell in einem Gedicht von Serhii Zhadan. Seine Werke sind das Ergebnis einer tiefen Verbindung zwischen Klang und Bild, Technik und Kunst, die in seinem Leben eine zentrale Rolle spielt.

@pouvastart

Rainer Faller

Der Diplom-Grafik-Designer Rainer Faller (*1962) absolvierte sein Studium an der Freien Akademie für Kunst in Freiburg. Seit 2006 ist er selbstständig tätig für Agenturen in Ludwigshafen, Frankfurt und Wiesbaden. Er lebt in Rheinhessen.

Mit Fotografien unterschiedlicher Perspektiven entstehen durch Überlagerung digitaler Ebenen Kunstwerke, in denen sich Mensch und Architektur verbinden. Eine Sinfonie von Mensch und Architektur. Die intensive Farbgebung lässt lebendige, stimmungsvolle und melancholische Werke entstehen. „Ich mag die Idee, dass alle Elemente zu einer Ebene verschmelzen.“

Winfried Mörmann

Der 1941 in Mannheim geborene Künstler absolvierte nach Abschluss der Volksschule Ausbildungen in zwei handwerklich-gewerblichen Berufen. Nach verschiedene Tätigkeiten in der Industrie absolvierte er die Ausbildung zum Lehrer für Ikebana an der „Ersten Deutschen Ikebana-Schule” in Köln. 1965 bis 1969 schloss sich das Studium der Sozialarbeit in Köln an. Bis 2003 war Winfried Mörmann in der außerschulischen Bildungsarbeit und in der Lebensberatung für obdachlose Menschen tätig.

Schwerpunkt seiner Arbeiten sind Objekte und Skulpturen aus Fundstücken, die er zusammenfügt und so wenig wie möglich bearbeitet. Leitmotiv des Künstlers: „Wenn ich nicht bereit, wohl aber in der Lage bin, meine persönlichen Einstellungen, Dogmen/Festlegungen, Ideologien/Glaubenslehren im Austausch mit Menschen anderer Einstellungen kritisch zu überprüfen und ggf. zu ändern oder gänzlich loszulassen – das Risiko eingehend, zunächst scheinbar orientierungsarm zu sein – mache ich es mir unnötig schwer, mir als Individuum zu begegnen und mich zusammen mit anderen Menschen als solches zu erfahren.“

Peter Schäfer-Oswald

Nach dem Studium der Kunsterziehung und Freien Bildenden Kunst arbeitete er als Kunstpädagoge und Kunsttherapeut in der Jugendhilfe, seit 2014 als freischaffender Künstler.

Zwei thematische Schwerpunkte prägen seine Arbeit: die Auseinandersetzung mit dem Spannungsverhältnis zwischen Natur und Technik/Zivilisation sowie die Faszination für unbeachtete Materialien, die ihn auffordern, gestalterisch aktiv zu werden: Mohnkapseln, rostige Schrauben, alte Bretter, Wildtierknochen oder Pilze an Bäumen.

In fotografischen Stillleben und digitalen Collagen setzt er die Objekte häufig auf einen schwarzen Hintergrund und hebt sie damit wie ein Schmuckstück auf einen Sockel. Oft kombiniert er sie mit rostigen Elementen, dem Vanitassymbol der Neuzeit und ein Sinnbild der erhofften Harmonie zwischen Technik und Natur.

Paula Stein

Paula Stein (*1993) aus Mainz wuchs in einem handwerklichen Familienbetrieb auf. Nach dem Bachelor in Kommunikationsdesign mit Schwerpunkt Illustration in Trier begann sie das Masterstudium im Bereich Zeichnen an der Kunsthochschule Lissabon. Sie liebt es bis heute, praktisch zu arbeiten. Sie versteht „Handwerk“ nicht nur klassisch als Beruf, sondern wörtlich: alles, was Menschen mit ihren Händen machen können, Gutes wie Schlechtes. In ihren Bildern zeigt sie Tätigkeiten, die mit den Händen ausgeübt werden können, entfernt das verwendete Objekt und beschränkt sich auf die Gesten der Hand, so dass viel Interpretationsspielraum bleibt.

Für diese Ausstellung wendete sie eine neue Technik an und erstellte erstmals große und farbige Originale. Die Bilder sind 60x40cm und 120x 80cm groß und mit Tusche und Buntstift auf Holz gezeichnet.
@paula.stein.illustration

Sabine Yacoub

Die 1974 in Freiburg geborene Biologin mit den Schwerpunkten Botanik und Ökologie interessiert sich seit der Schulzeit für Fotografie und beschäftigt sich seit dem Jahr 2000 mit bildender Kunst.

Anfangs widmete sie sich der Malerei mit besonderem Interesse für das Mischen von Farben aus den Grundfarben. 2004 folgte ein Holzkurs im Nationalpark Bayerischer Wald mit Arbeiten an abgestorbenen Fichten. Bei der internationalen Sommerakademie Bild-Werk Frauenau belegte sie Kurse in Holzbildhauerei und Holzdruck. Seit der Weiterbildung „Kunst und Natur“ beim Bremer Künstler Werner Henkel 2011/2012 nimmt sie regelmäßig an seinen Workshops teil.

Als Biologin fühlt sie sich der Natur verbunden. Das zeigt sich in vielen ihrer Arbeiten durch die Verwendung von Naturmaterialen. Ihre Formensprache ist meist organisch, die Herangehensweise oft spielerisch und experimentell. Sie probiert gerne Neues aus und kombiniert unterschiedliche Techniken.
@sschlange